LATAS DE SOPA CAMPBELL'S

Mario Alberto Castro Cristerna

“Arte Cultura y Sociedad”

Profesor: Armando Haro Márquez

Análisis del estilo:
“Latas de Sopa Campbell’s”

Lo Evidente: "La obra"

            Hacia el año de 1962 en la Galería Ferus en los Angeles, California, Estados Unidos, el artista estadounidense Andy Warhol exponía su obra Campbell's Soup Cans, también conocida como 32 latas de sopa Campbell. Esta obra estaba constituida por treinta y dos lienzos con un formato de 50,8 cm de alto por 40,6 cm de ancho realizados técnicamente en un proceso semimecanizado de serigrafía.  Consistía en representaciones de las latas de sopa Campbell, retratadas en cada una de las presentaciones de sabores disponibles en esa época.

            Ésta es considerada como un punto clave en la historia del arte en el periodo del arte pop (arte popular), término que es adjudicado al crítico de arte Lawrence Alloway  quien lo utilizó para referirse a una forma de expresión artística que estaba creando cultura de la publicidad de las masas. La técnica de la yuxtaposición de elementos: cera, óleo, pintura plástica con materiales de desecho; fotografías, trapos viejos, collage, ensamblajes, es la característica principal del arte pop surgido al finales de los 50's.

El análisis: "Cultura y sociedad"

            El arte pop enfrentó algunas dificultades para ganar la consideración de la crítica. Si bien, en Estados Unidos fue donde encontró un numeroso grupo de adeptos, también fue ahí donde surgieron las primeras críticas, pues se consideraba que desechaba la postura que había adoptado el Expresionismo Abstracto surgido durante la década de los 40's prolongándose hasta los 50's, en el cual el misticismo se hacía presente mediante el estilo de representación pictórica de este  periodo, pues se imprimía la fuerza  del gesto pictórico y la expresividad emocional; trataba de reflejar de alguna manera la búsqueda de ideas y emociones, dejando de lado el uso del caballete y postrando el lienzo sobre el piso tal y como lo hacía Pollock, uno de los mas representativos de este movimiento.

           

            Para esa década había recién finalizado la Segunda Guerra Mundial, dando como origen el periodo de posguerra y la Guerra Fría. Estados Unidos había dominado todos los asuntos internacionales después de la Segunda Guerra Mundial adoptando una postura capitalista pues había incrementado su crecimiento económico y consolidó su posición como la nación mas rica del mundo. Fue entonces cuando implantó el "Estado de Bienestar" donde los importantes sectores de los países industrializados aumentaron considerablemente el poder  adquisitivo. A raíz de esto, se creó un nuevo estilo de vida, utilizando para ello dos elementos: la publicidad y la disminución de la calidad de los productos con el fin de que tuvieran menor vida útil y por consecuente la necesidad de reponerlos rápidamente.

La población se acostumbraba cada vez mas a pasar mas horas frente al televisor, aún mas con la invención del televisor a color, dando así un gran campo de apertura a la publicidad comercial, generando la sociedad de consumo.

            A pesar de todo esto, la modernización socioeconómica comenzó a expresarse claramente en el arte, la literatura y en otras manifestaciones culturales generando grupos que se planteaban otros valores, que cuestionaban los valores impuestos, los modos de relación y el sistema político. Esos grupos comenzaron a surgir en los años de posguerra al calor de la urbanización y del crecimiento de la matrícula estudiantil en todos los niveles.

La  complejidad del proceso de intercambio cultural estuvo marginada por los modernos medios de comunicación que formaron parte de la Guerra Fría, pues, controlados por países centrales, comenzaron a irradiar todas partes del mundo hábitos culturales que correspondían con el mundo occidental y al cristianismo frente al ateísmo socialista. Otro elemento importante de propaganda fueron los cómics, donde los héroes dotados de poderes sobrehumanos, logran proteger al mundo occidental de la constante amenaza de sus enemigos. Frente a esta influencia  cultural, los pensamientos alternativos a los dominantes dieron muestras de inconformismo, rebeldía y resistencia a la imposición; eran verdaderos movimientos contraculturales.

Sintetizar: “Estilo”

            Con todo el sistema consumista que caracterizaba a la sociedad norteamericana, Andy Warhol quien inició en el mundo de la publicidad y el cómic, descubrió las inmensas posibilidades plásticas de las imágenes comerciales, representando una sensación de irrealidad y artificialidad, reflejo del modo de vida americano, mecanizado y deshumanizado. Basado en la técnica de la serigrafía y utilizando sus recursos para la facilidad de reproducción, genera la analogía de su obra como un producto de mercado, el cual es fabricado sistemáticamente y puesto a la venta, así transforma el objeto de uso cotidiano en obra artística. En una ocasión declaró: "Pienso que cualquiera podría hacer mis pinturas (…) La razón por la que pinto es porque quiero ser una máquina”.

            Aun y que el arte pop mantenga su valor por sí mismo, utiliza elementos estilísticos  propiamente del Dadaísmo al combinar en sus obra pictóricas imágenes recortadas de periódicos, el collage (que también fue utilizado por los cubistas) fue desarrollado por los artistas pop como "Assemblage". Marcel Duchamp alguna vez declaró: " Este neo-Dadá al que llaman nuevo realismo, pop art, es una fácil manera de salir al paso y vive lo que hizo Dadá. Cuando descubrí  los ready-mades pensé en atentar contra la estética. En el neo-Dadá han acogido mis ready-mades y les han encontrado la belleza estética. Les lancé el botellero y el orinal a la cara como una provocación y ahora los admiran por su belleza estética". El Dadaísmo rechaza a la cultura haciendo cultura se explica como movimiento del antiarte; el arte pop es una reivindicación artística, creando obras de arte.

            La obra vista desde su contexto temporal y marcado dentro del periodo del arte pop, entendiéndolo como la revolución en contra del consumismo del siglo XX que continúa presentándose hasta nuestros días, es un método de creación de ideas que se generan desde la monotonía del individuo y su quehacer en la vida cotidiana, para introducirlo a un ejercicio crítico de pensamiento del sistema capitalista y desnudar la ostentosidad en el mundo del arte.

Se puede entender el estilo de la obra como un golpe sarcástico a la estructura de las empresas que crean un producto o un ícono dentro de la cultura aprovechando sus características de injerencia en la sociedad para transformarlo en obra, y al mismo tiempo ironizar al convertir el objeto de uso artístico para su reproducción sistemática en producto de mercado al alcance de la población reutilizando las características mercadotécnicas de éste.

Bibliografía

“El ABC del arte del siglo XX”- Editorial Phaidon 1999

“El arte después de la Segunda Guerra Mundial” -Revista SIGLO XX, Historia universal, no 31−Amando de Miguel y otros.

http://www.taringa.net/posts/arte/4314158/Historia-de-una-sopa-que-es-obra-de-arte.html
http://www.actuallynotes.com/Arte-Pop-Pop-Art.htm


http://www.xtec.cat/~jarrimad/contemp/campbell.html


http://aprendersociales.blogspot.mx/2007/05/el-expresionismo-abstracto.html

http://www.salonhogar.net/INDICE_EU/Historia/C13.htm
http://www.portalplanetasedna.com.ar/estilo_americano.htm

“pop art doumental” –Germán Stilp, Santiago Agnese http://www.youtube.com/watch?v=CjRvDLJtAKQ

EL ESTILO DE UNA OBRA

 Edgar David Trejo Núñez

-       Evidencia: No se permite considerar una idea como absoluta al menos que se presente en un juicio de espíritu como distintiva.

-       Análisis: Cada una de las dificultades deberá ser dividida en fragmentos minuciosos para resolver más fácilmente.

-       Síntesis: Conducir las reflexiones por medio de un orden lógico desde las simples hasta las más complejas.

-       Enumeración: realizar recuentos completos y revisiones amplias, para no omitir nada.

“The Incredulity of Saint Thomas”

1601-02; Oil on canvas, 42 1/8 x 57 1/2 in; Neues Palais, Potsdam

Mientras que nuestro país México o anteriormente mejor conocido como Tenochtitlán estaba sufriendo un cambio  racial conforme al ámbito religioso, político y social, de manera indigna a manos de los españoles quienes llegaron a terrenos desconocidos por conducto de Hernán Cortés y denominado por los más contemporáneos como época colonial, donde el apoderamiento del territorio y la lucha moral fueron regidas fundamentalmente por el sometimiento, a partir de la evangelización, donde se tomo como base al catolicismo sustentado por la inquisición proveniente de las jerarquías eclesiásticas, en Europa lo que se vivía no era muy distinto.

En Italia, junto con el catolicismo surge el estilo caravaggista con el artista Michelangelo da caravaggio a quien asemejo con la ideología de Descartes y su método cartesiano ya que en torno a sus pensamientos empieza desde sus cimientos para mostrar la verdad, entre sus obras cito: “The Incredulity of Saint Thomas”  la cual expresa no un realismo, sino un naturalismo apoyado de luces segadoras y sombras muy profundas habituándolas en espacios subjetivos,ealismo sino un naturalismo   que para su época no era tan fácil ir en contra de lo establecido puesto que estaba rodeado por la contrarreforma (renacimiento católico) que fue el movimiento de la Iglesia Católica Romana en los siglos XVI y XVII que trató de  responder a la Reforma Protestante.  Y el protestantismo quien reclama a la iglesia católica sus innumerables corrupciones como es la venta de indulgencias con el fin de ser salvos y abusos despiadados a sus seguidores. Quien tras luego de batallas civiles tras la reforma Luterana le ratificaron todos los puntos de la doctrina milenaria católica frente a las protestantes donde un se salva uno muy importante para nuestros tiempos que es la veneración a María (madre de Jesús) como virgen y a los santos como practica cristiana y es de aquí donde se deriva el arte barroco (expresión artística de la contrarreforma católica) con el fin de acercar al hombre hacia esta religión.

Me mantengo en la concepción revolucionaria de este artista ya que somete en juicio a sus propias ideologías para transmitir lo crudo y puro, sin importar que lo tachen de hereje, mostrando lo que no cualquiera se atreve como en el caso de Martin Lutero (fundador de la reforma protestante) con sus 95 tesis donde estipula su doctrina y el hecho de la salvación por la fe y no por engaños.

Es importante rescatar movimientos que simplemente dejo de  lado para formar su propio estilo:

 Manierista: Donde se presenta un arraigo de ofuscación y frustración por parte de los artistas estudiantes ya que tratan de imitar a “manera de”, trabajos de gran belleza y perfección obradas por los maestros Miguel Ángel, Leonardo y Rafael, pero de una manera tan ridícula y por demás absurda y fuera de lo natural, donde nos resulta como espectadores un poco sarcástica.

 Si bien el estilo caravaggista es desconcertante no tiene por principio ni fin el seguir los lineamientos clásicos ni mucho menos el buscar la perfección divina.

Medievo: En su estilo predomina la interpretación propia de los personajes de los pasajes bíblicos donde se aprecia una tosquedad en la forma con líneas zigzagueantes y rebuscadas.

Bizantinos: Predominan entre sus obras la claridad y la sencillez aunque se conoce de escorzo no es importante para ellos los detalles sino el mensaje, dan e aspecto de infantiles. 

Griego: En este periodo se busca estudiar la anatomía humana y los músculos en relación con el alma, es evidente que los artistas llevan la línea hacia la divinidad y perfección prueba de ello son los rasgos lisos en las estatuas y esculturas.

Egipcio: Sus obras eran con el propósito de otorgar vida eterna a sus faraones por medio de pinturas casi cartográficas donde la figura humana se muestra rígida y carente de un escorzo, se presenta la jerarquización y es notorio en la representación de sus dioses.

Primitivo: Sus obras van enfocadas a rituales mágicos con el fin de empatar con el espíritu de la presa.

Su estilo ha del mismo modo sido influencia para épocas posteriores y por su puesto para artistas Contemporáneos como es el caso del hiperrealismo que busca en la anatomía humana una fidelidad que vaya mas allá de la realidad y a estas obras por lo regular le aportan rasgos que no son muy comunes como son arrugas, cortadas, lunares, que me hacen recordar lo no divino.

Edgar David Trejo Núñez

NUEVO COMIC

ALFREDO LÓPEZ SOTO

Poco a poco se a buscando la manera de narrar historias, en 1440 la invención de la imprenta permitió la producción de ilustraciones a mayor escala. En nuestros tiempos existe un estilo en la rama de las artes que ha sido un poco descuidado, pero a su vez ha ido adquiriendo un carácter por crear figuras que inspiren, que permitan la aceptación o sátira de sucesos actuales.

El objetivo en si es poder contar una historia por usando imágenes que poseen una secuencia, inicios los cómics surgen a partir de la aparición del hombre y su necesidad por narrar algo utilizando imágenes, los fines  han sido distintos a lo largo del tiempo místicos, religiosos, educativos, políticos y sociales haciendo énfasis en este aspecto, durante los primeros cómics lo que se buscaba era contar historias simples, de la vida cotidiana empleando globos de dialogo para poder apoyar su comprensión.

Un gran salto que dio fue al aparecer el primer superhéroe, Superman, este fue motivo de inspiración de varios autores, los cómics comenzaron a involucrar sucesos como la segunda guerra mundial, los personajes opinaban , tenían una participación en los hechos de esa época, terminando la guerra a las personas no les interesaba tanto la lectura de estos, esto fue perjudicial e hizo que desaparecieran varios personajes  de esa época, las historias de terror y vaqueros ganaban terreno, hubo una persona que no estuvo desacuerdo  debido al contenido de los cómics,  Fredric Wertham, por algún motivo se obsesiono con los cómics acusándolos de contenido corrupto, desprestigiando su contenido, argumentando que los cómics provocaban la delincuencia, confusión y mostrando personajes homosexuales. Esto provoco la creación de una asociación encargada de controlar el contenido de las publicaciones. Más tarde reaparecieron varios superhéroes, con un nuevo origen, aparecería MARVEL cómics presentando su numero uno de los cuatro fantásticos a su vez comienzan a surgir las primeras tiendas y las primeras convenciones dando pie al coleccionismo permitiendo que actualmente varios cómics en la actualidad valgan millones.

Las editoriales comenzaron a indagar un poco mas en los temas para adultos, los primeros que lo hicieron los encargados de Marvel, mas tarde DC, los cómics de  terror pudieron revivir debido a esta iniciativa permitiéndose violar el tratado por la reguladora generándose una apertura hacia nuevos públicos.

 Este periodo es cocido como la edad oscura debido a la temática que manejaban, a partir de los 90´s los temas vuelven a cambiar a un estilo más relajado y comienza a surgir la conexión con los medios de comunicación que buscaban llevar sucesos de estas historietas a la pantalla chica, y ahora los escritores de televisión se involucraban en otra área.

Las editoriales con el fin de atraer nuevo publico, comenzaron mostrar la historia de personajes desde sus inicios creando universos alternos para poder justificar la existencia y la desunión de las historias, un ejemplo de esto es la serie Ultimate de Marvel y los universos paralelos de DC. En los últimos años los escritores no solo se han estado enfocando en la continuidad eh historia de un cómic, también se preocupan en la manera en la que estos como medio de comunicación sobre todo lo que pueden aportar al publico, como linterna verde en su nueva edición que a causado una ligera controversia debido a su reinvención.

 Los cómics son un trabajo un tanto difíciles de abordar debido a su complejidad y variabilidad, poden considerarse  los manuscritos ilustrados de la época contemporánea cuyo fin no es el de evangelizar, logran crear súper humanos que a pesar de las capacidades que poseen siguen siendo humanos, presentan la fragilidad de estos y como los cambios, humanos que gozan de una posición divina sin olvidar lo que somos, en algunos casos buscan una manera de apoyar o de contemplar un nuevo cambio no se muestran distantes.

LA GOLCONDA DE RENÉ MAGRITTE

Nayeli Jáquez Nava.

     El surrealismo surge como movimiento artístico surgido a principios del siglo               XX pretende  trascender la realidad a partir del impulso psíquico de lo imaginario y   lo real. Los surrealistas pretenden crear algo más real que lo real, no consiste en la exaltación de la realidad mediante su transcripción fiel, sino precisamente en lo contrario, en desacreditar la realidad, o nuestro sentimiento de la realidad; en suprimir la seguridad, la certeza que tenemos de la realidad cotidiana.

La técnica de Magritte fue denominada “realismo mágico”, ya que hace invitación a la reflexión a partir de objetos cotidianos.

El realismo mágico es un género artístico y literario de mediados del siglo XX. El término fue inicialmente usado por un crítico de arte, el alemán Franz Roh, para describir una pintura que demostraba una realidad alterada, pero fue usado más tarde por ciertos escritores latinoamericanos.

Se define como la preocupación estilística y el interés de mostrar lo irreal o extraño como algo cotidiano y común. Su finalidad no es la de suscitar emociones sino más bien expresarlas y es, sobre todas las cosas, una actitud frente a la realidad pretende dar verosimilitud a lo fantástico e irreal.

A diferencia del surrealismo que se esfuerza por rebasar lo real por medio de lo imaginario y lo real que intenta expresar el pensamiento puro con exclusión de toda lógica o preocupación moral y estética.

 En la obra “Golconda” (la caída) de Magritte vemos una composición en donde un fondo de edificios residenciales se encuentra poblado de hombres con sombrero. Aunque parezca que los hombres están cayendo, los personajes sólo están flotado ya que no hay ningún otro indicio de movimiento.

El propio Magritte define su obra diciendo “He aquí una multitud de hombres, todos diferentes. Pero como al pensar en multitud no se piensa en el individuo, los hombres están vestidos de la misma manera, con mayor sencillez posible, para sugerir de masa… Golconda era un rica ciudad hindú, un sitio maravilloso, Yo considero una maravilla andar sobre la tierra a través del cielo. Por otro lado el sombrero hongo no representa ninguna sorpresa. Es un sombrero poco original. El hombre con sombrero de hongo es el hombre común y corriente. Yo lo uso también, no tengo el menor deseo de destacarme.”

Tal vez Magritte hace referencia a un barrio burgués de su ciudad natal Bulgaria mostrando la vestimenta habitual de hombres de negocios, empresarios y banqueros de aquella época  haciendo una crítica al individualismo de la sociedad, dando la imagen de hombres, porque bien lo dijo Magritte, no son hombres cayendo, sino la imagen de hombres cayendo, buscando la individualidad y el apartarse del mundo dentro de la sencillez de sus ropas y la cotidianeidad de sus vidas que probablemente giran en torno a los negocios fructíferos y el dinero que puedan producir estos.

Magritte hace referencia a “la maravilla de andar sobre la tierra a través del suelo”  él hace visible la imaginación de todos cuando por momentos mirar al cielo sirve como escape y hace presente el deseo de suspenderse en el aire cerca de las nube, tomando imágenes que nos son tan cotidianas, como lo son edificios, el cielo y hombres, descontextualiza y nos muestra estos tres elementos dentro de un mismo plano haciendo atribución a lo maravilloso que sería caminar sobre el cielo, pero al mismo tiempo ridiculizando al ser humano en su afán de pertenecer intentando ser igual a todo lo que le rodea, perdiendo su identidad. Una lluvia de hombres sin identidad.

Su técnica de pintura realista casi como una fotografía provoca el efecto de que lo que vemos ahí puede ser posible sobrepasando la realidad y no marcando un efecto de distanciamiento entre lo real y lo imaginario.

ANÁLISIS DEL MANIFIESTO DADAÍSTA DE TRISTAN TZARA

Pais Villagrana  Dueñas

Universidad Autónoma de Zacatecas

Licenciatura en Artes

Arte, Cultura y Sociedad

Me  he  propuesto  hacer  un  análisis  del  manifiesto  Tristan  Tzara,   contenido  en  Siete  manifiestos  Dadá  de  Tristan  Tzara.
En este ejercicio trataré de estudiar el entramado de la ideología de imágenes que rodea a la obra.

En primer  lugar  lo  que  determina  a  una  ideología  de  imágenes  es  una extensa  red  que  se  compone  por  aquello  que  rodea  a  una  obra  y  por  tanto  al  artista.
El  artista  ha  tenido  que  experimentar  toda  una  serie  de  sucesos  que  le  son  ajenos  y  de  los  cuales  algunas  veces  ha  sido  partícipe  y  otras  no  han  dependido  de  él;  pero  le  son  inherentes,  por  que  el artista  vive  dentro  de  una  sociedad, que  a  su  vez  teje  sus  propias  redes.
Entonces,  tenemos  que  para  que  una  obra  pueda  ser  creada,  antes  tiene  que  ser  ideada.  Toda  obra  contiene  una  estructura  ideológica  que  se  complementa  con  la  obra  misma  en  el  momento  en  que  esta  es  terminada,  y  pasa  a  formar  parte  de  la  misma  red  ideológica  que  le  rodea.
La  ideología  de  imágenes  es  en  toda  dirección,  aquello  que  da  vida  a  las  obras  sosteniendo  su  naturaleza  muchas  veces  indetectable  a  primera  vista,  requiriendo  un  estudio  profundo  de  los  contextos  con que  se  ha  ido  estructurando;  pero  también  es  aquello  que  la  deconstruye,  otorgándose  así,  la  posibilidad  de encontrar  en  ellas  nuevos  significados  y  nuevos  fines  que pueden  plantearse  como  otra  manera  de apreciar  y  entender  las  obras,  dejando  de  lado  lo  que  ya  se  ha  dicho  de  ellas.

Ahora,  vayamos  a  los  orígenes  del  movimiento  Dadá  para  partir  del  análisis  sociocultural  y  religioso  de  la  sociedad  en  donde  el  movimiento  nace.
El  movimiento  tiene  sus  inicios  en  1916  en  el  café  cabaret  Voltaire  en  Zurich,  Suiza,  justo  dos  años  luego  de  que  la  primera  guerra  mundial  diera  inicio.
Zurich  aun  se  mantenía  aun  alejado  del  conflicto; pero  no  fue  aquello  de  menor  importancia,  pues  el  grupo  de  artistas  reunidos  ahí  sugerirían  también  con  el  surgimiento  del  movimiento  dada ,  una  repulsión  a  las  sociedades  que habían  puesto  en  condición  las  cosas para  que  la  guerra tuviese  lugar  en  el mundo.
El  dadá  surge  en  respuesta  a  esto,  en  contra  de  las  formas  en  que  el  arte  y  la  sociedad  se  comportaban  una  en  torno  a  la  otra,  y  tal  vez  percibían  ciertas  caricias  entre  uno  y  otro ,  lo  que  entra  en  pugna  con  el  pensamiento  dadaísta.

Ahora  bien,  en  primer  lugar,  démosle  una  lectura  al  manifiesto  de  Tristan Tzara  para  para  poder  hacer  un  ejercicio  de  análisis  más  definido.


Tristan Tzara

¡Mírenme  bien!

Soy  un  idiota,  soy  un  farsante,  soy  un  bromista.

¡Mírenme  bien!

Soy feo,  mi  cara  carece  de  expresión,  soy  pequeño.

¡Soy  como  todos  ustedes! [1]

Pero  pregúntense,  antes  de  mirarme,  si  el  iris  por  el  que  envían

flechas  de  sentimiento  líquido  no  es  caca  de  mosca,  si  los  ojos

de  su  vientre  no  son  secciones  de  tumores  cuyas  miradas  saldrán

alguna  vez  por  una  parte  cualquiera  de  su  cuerpo,  en  forma  de

derrame  blenorrágico.

Ustedes  ven  con  su  ombligo -¿por  qué  le  esconden  el

espectáculo   ridículo  que  nosotros  le  brindamos?  Y  más  abajo,

sexos  de  mujeres,  con  dientes,  que  lo  tragan  todo  -la  poesía  de  la

eternidad,  el  amor,  el  amor  puro,  naturalmente - los  beefsteaks

sangrantes  y  la  pintura  al  óleo.  Todos  los  que  miran  y  que

comprenden  se  colocan  fácilmente  entre  la  poesía  y  el  amor,

entre  el  beefsteak  y  la  pintura.  Serán  digeridos,  serán  digeridos.

Recientemente  se  me  acusó  de  haber  robado unas  pieles.

Probablemente  porque  creían  que  me  contaba  todavía  entre  los  poetas.  Entre  esos  poetas  que  satisfacen  sus  necesidades

legítimas  de onanismo  frío  con  pieles  calientes:  Ahah,  yo

conozco  otros  placeres,  igual  de  platónicos.  Llame  por  teléfono

a  su  familia  y  orine  en  el  agujero  reservado  a  las  boberías

gastronómicas  y  sagradas.

DADÁ  propone  dos  soluciones:

¡NO  MÁS  MIRADAS!

¡NO  MÁS  PALABRAS! [2]

¡Ya  no  miren!

¡Ya  no  hablen!

Pues  yo,  camaleón  cambio  infiltración  con  actitudes  cómodas  -

opiniones  multicolores  para  toda  ocasión  dimensión  precio -  yo

hago  lo  contrario  de  lo  que  propongo  a  los  demás. [3]

SE  ME  OLVIDA  ALGO

¿dónde? ¿por  qué? ¿cómo?

es  decir:

ventilador  de  ejemplos  fríos  servirá  a  la  serpiente  frágil  de

cabalgata  y  nunca  tuve  el  placer  de  verla  a  usted  my  dear,  rígida

la  oreja  saldrá  por  sí  misma  del  sobre  como  todas  las  provisiones

marinas  y  los  productos  de  la  cada  Aa  &  Co.  el  chicle  por

ejemplo  y  los  perros  tienen  ojos  azules,  bebo  camomila,  ellos  se

beben  el  viento,  DADÁ  introduce  nuevos  puntos  de  vista,  ahora

se  sienta  uno  en  las  cuatro  esquinas  de  las  mesas,  en  actitudes

deslizadas  un  poco  a  diestra  y  siniestra,  es  por  eso  que  estoy

enfadado  con  Dadá,  exijan  por  doquier  la  supresión  de  las  D, coman  Aa, frótense  con  la  pasta  dentífrica  Aa,  vístanse  en  la

Casa  Aa.
Aa  es  un  pañuelo  y  el  sexo  que  se  limpia  los  mocos,  el

hundimiento  rápido  - de  hule -  no  tiene  necesidad  de  manifiestos

ni  de  libretas  de  direcciones,  da  25%  de  descuento vístase  usted

con  Aa  tiene  los  ojos  azules.

[1] Quería  hacerme  un  poco  de  publicidad

[2] Basta  de  manifiestos

[3] A  veces


En  este  manifiesto,  contenido  en  Siete  manifiestos  dada,   cuyo  autor,  posee  una  forma  bien  definida  y  consistente  de  escritura,  podemos  encontrar  como  constante  del  dada,  una  tendencia  implacable  por  prescindir  de  las  formas  que  le  antecedían  y  más  bien  contra  ponerse  a  ellas. 
El  futurismo  por  un   lado,  que  depende  en  su  totalidad  de  los  formalismos  de  lenguaje  y  escritura  para  poder  formularse  y  establecerse  como  tal,  una  obra  futurista;  ya  que  tenemos  que  desde  su  planteamiento  conceptual  de  tiempo  está  definiendo  los  parámetros  y  obstáculos  de  los   que  dependerá  su  existencia.

Aunque  cuesta  trabajo  en  la obra  de  Tzara  podemos  notar  que  hay  un  manejo  inusual  de  las  formas  poéticas,  y  que   a  pesar  de  esto,  más  que  manifiesto  tiende  mucho  a  la  poesía  en  cuestiones  como la  métrica   y  el  manejo  de  metáforas.

Leamos  un  poema  corto  de  Vladímir  Mayakovsky.

Poeta y Obrero

Somos parejos.
Compañeros, dentro de la masa obrera.
Proletarios de cuerpo y de alma.
Solo juntos hermosearemos el mundo
Y lo impulsaremos con himnos.

Totalmente  contrario  esta  forma  conocida  en  el  arte  como  futurismo,  el  planteamiento  dadaísta  contenido  en  este  manifiesto  rompe  con  cualquier  tipo  de  parámetro  que  defina  su  tiempo  de vida,  para  los  dadaístas,  dada  no  muere  porque  dada  no  existe.
  
El  movimiento  lanza  manifiestos  que  reivindican  la  libertad  del  hombre,  la  espontaneidad  y  cosas  transgresoras  como  la  destrucción  de  las  formas  convencionales,  incluso  la  destrucción  del  arte.
Pronto,  tuvo  también  acercamientos  de  movimientos  subversivos  de  otros  países,  tal  es  el caso  de  los  espartaquistas  en  Alemania  y  de  escritores  en  Rumania,  Francia  e Italia.
Cabe  señalar  que,  como  lo  mencioné  anteriormente,  el  dadaísmo  iba  no  solo  en  contra  del  futurismo, sino  también  en  contra  de  todas  las  otras  vanguardias  a  quienes  criticaban,  en  ese  sentido,  cuesta  trabajo  poder  dar  un  nombre  nuevo   a  este  estilo,  pero ,  me  atrevería  a  decir  que  dada  es  aquello  que  se  escapó  de  nuestra  vista  justo  en  el  momento  en  que parpadeamos.
 Aquello  que  podemos  inventar  en  la  ausencia  del  todo,  para  hacer  caso  solo  a  la  imagen  que  rompe  a  todas  las  demás  y  luego  se  tritura  a  si  misma.